Let Me In

Let Me In


por Miguel Mateo Tomás Vilar

Para Mariano, porque compartimos gustos en cuanto a lo extraño.


Cuando se le pregunta a Sabina por el mundo de los Toros intenta argumentar con toda Sinceridad que sabe que es una atrocidad del todo innecesaria pero que no puede evitar que le gusten. No sé si filmar un Remake puede considerarse una atrocidad innecesaria pero pienso que es válido siempre que pueda aportar algo interesante, pese a que sigamos considerando el original como superior. No he tenido ocasión de ver la Película Sueca “Déjame Entrar” pero hay que reconocer a Matt Reeves (Director de únicamente “Monstruoso”) que ha logrado una Versión de la Novela de John Ajvide Lindqvist de lo más inquietante y desasosegada.

Partiendo de la complicada elección de lograr a dos jóvenes Actores (Kodi Smit-McPhee & Chloe Moretz) que den una talla sobrada en los papeles de (Owen & Abby) Reeves logra crear una ambientación fría, con Fotografía granulada (Greig Fraser) muy propia de inicios de Los-80 y que ya en la primera escena, con un discurso escuchado de fondo de Presidente Ronald Regan nos sumerge en una historia que ya sabemos que irá dirigida a combatir un mal que por aquellas décadas los Habitantes y Dirigentes de EE.UU. creían ver por todos los rincones de su amplia Geografía.

De esta forma, junto a un buen ritmo y desarrollo de la acción el Film transcurre sin altibajos, sabiendo contener la tensión en unos niveles muy superiores a cualquier otra Película de Terror de reciente estreno. Curioso es el hecho que esta sea, treinta y un años después, una Producción de la Hammer que vuelve a los clásicos con una historia que añade referencias a la soledad de la Niñez vivida con Padres separados, el maltrato escolar y las (Ene)Amistades hechas durante la infancia

Cabe también valorar el trabajo de dos magníficos secundarios como son el últimamente de moda Richard Jenkins y Elias Koteas, más la adecuada y estudiada Composición de un ya más que reconocido Michael Giacchino.

El Luchador

El Luchador

Por Miguel Mateo Tomás Vilar

Para Joaquín, porque también es un luchador, pero en otras batallas.

Hay ciertas Películas que parecen predestinadas (muchos piensan que incluso ese fue el motivo de su Realización) a acaparar ciertos Premios. “El Luchador” es una de ellas. Quien ahora descubra, por este concreto trabajo, la mejor cara de Mickey Rourke, que empiece a recuperar sus Interpretaciones de Los-80 e incluso inicios de Los-90 para darse cuenta hasta donde podría haber llegado en el mundo del Cine. Al mismo tiempo, también sería conveniente destacar la labor de la siempre radiante Marisa Tomei, una Actriz un tanto ninguneada en los últimos años, pero siempre a descubrir.

La historia de Randy “El Martillo” Robinson tiene poco de original ya que nuevamente estamos ante el perdedor por excelencia. Un hombre solitario, al que lo único que le queda es el “amor” a su trabajo, el Orgullo de que de vez en cuando lo recuerden en los circuitos de Lucha Libre, que malvive -en el mejor de los casos- en una roulotte alquilada y que frecuenta, siempre que puede, un clásico Bar de Barra Americana. Pero los excesos no suelen perdonar y tras un amago de infarto, el ya de por sí tambaleante mundo de Randy, empieza a ser más inestable de lo ya habitual, decidiéndose ir a visitar a su única Hija –Evan Rachel Wood- en busca de ayuda y comprensión (en el que terminará por ser el momento más metido con calzador dentro del Guión).

León de Oro en el Festival de Venecia al Mejor Actor & Nominación al Óscar incluida, el trabajo de Rourke sustenta todo el Film. La Cámara del siempre complejo Darren Aronofski lo va siguiendo allá donde se dirija, a veces desde la distancia y otras en la cercanía, pero erigiéndolo en todo momento en el centro narrativo, siendo los momentos más logrados los que comparte con el resto de Luchadores (todos ellos Profesionales en labores de Actor) que están basados en el respeto y en el continuo apoyo.

Nochebuena

Nochebuena (Cine Colombiano – 3)


Por Miguel Mateo Tomás Vilar

Antes de emprender un Proyecto Cinematográfico hay que tener un punto de partida del que tirar, una idea, un Argumento, una noticia curiosa aparecida en la Prensa o una simple Anécdota. La Directora Colombiana Camila Borreguero, después de dieciocho años sin trabajar en una Película para la Pantalla Grande, decidió hace tan sólo dos, Rodar una Película cuya base ya ha sido tratada en infinidad de ocasiones, por otros Cineastas y con mucha más gracia.


El Guión puede ser recordado por haber sido visto en otros Films: en la Colombia actual la Familia De la Concha recibe celebrar el 24 de Diciembre Navideño reuniendo a todos sus Miembros. A partir de aquí, irán aflorando entre ellos múltiples problemas internos y, por supuesto, ocultos. De ahí en adelante y en la Hacienda Familiar se irán mostrando problemas de celos, relaciones extramatrimoniales, turbios negocios económicos, nefastas inversiones bursátiles y hasta una Sirvienta resentida. En resumen, un día señalado dentro de una Finca donde se pueden escuchar chistes facilones y por momentos, insoportables.

La Vida ante Tus Ojos

La Vida Ante Tus Ojos

por Miguel Mateo Tomás Vilar

Para “El Estepica”


A veces basta el recordar una sola Película de un determinado Director –en este caso, Vadim Perelman con su interesante “Casa de Arena y Niebla”- para despertar interés sobre sus siguientes trabajos. Pero después, el hecho de que el nuevo Film se estrene con cierto retraso y en no todas las Ciudades puede ser un síntoma de desinterés en los lugares de donde procede. Bien podría ser ese caso el de “La Vida Ante Tus Ojos” un trabajo realizado en el 2.007 pero estrenado en España en el Verano del 2.009.

Figurando como Productor & Director de la Cinta, Perelman da la sensación de no saber con que carta quedarse a la hora de relatar la Vida de la atormentada Diana (Uma Thurman) en un Barrio Residencial de Connecticut, que arrastra consigo los terribles sucesos acaecidos quince años antes en un Instituto de la misma Localidad de EE.UU., donde un compañero provocó un bárbaro tiroteo que cambió de forma radical con la tranquilidad en la que se desenvolvían muchos de sus Habitantes.

En unos demasiados ajustados noventa minutos se genera una trama dramática que nos hace ir y venir en el tiempo pero que quizás ese sea uno de sus principales problemas: un Montaje nada convincente y que no ayuda a entrar en la historia que se trata de contar. Un final “teóricamente” sorpresivo no consigue levantar una Función que en ese momento ya puede dar muestras de desinterés.

Como datos a destacar y a seguir se podrían citar, la luminosa Fotografía de Pawel Edelman, la Composición demasiado contenida de James Horner que repetía con el Director y que se suelta en los Créditos Finales, y la siempre eficaz Uma Thurman interpretada en su período de Adolescencia por Evan Rachel Wood.

El Oro de Ulises

El Oro de Ulises

por Miguel Mateo Tomás Vilar

Para Sevilla, porque creo que me lee.


En 1.997 el semidesconocido Víctor Núñez requirió a un ausente Peter Fonda para protagonizar la que terminaría siendo su Película más popular, todo hay que decirlo, más por la presencia del Hijo de Henry Fonda en el Papel Principal que por la calidad de la Cinta.

“El Oro de Ulises” tiene por Argumento una clásica historia que bien se podría asemejar a cualquier Estreno de los realizados expresamente para la TV y con los que se suelen inundar las programaciones a la hora en que muchos aprovechan para descansar o saborear un café.
La trama gira en torno a un veterano y solitario excombatiente de la Guerra de Vietnam, Ulises Jackson (Peter Fonda) apicultor de oficio en los Pantanos de Florida, que se encuentra al cuidado de dos Nietas ya que su Hijo está en prisión y la mujer de éste es drogadicta. Precisamente será su Hijo el que le encargue la complicada misión de recuperar a su Esposa, que se encuentra en las manos de dos antiguos delincuentes que en su día fueron socios suyos. Con la ayuda de una Vecina que es Enfermera y sus Nietas procederá a intentar desintoxicar a la Madre de las Niñas y por sí sólo, a enfrentarse a los antiguos compañeros de atracos de su Hijo.

El Film está rodado con el más previsible de los estilos sin aportar apenas algún momento de interés al metraje. Eso sí, tuvo en la época de su estreno cierta popularidad porque Peter Fonda obtuvo el Globo de Oro por su comedida Interpretación, quedando a las puertas de obtener el Oscar, para el que también fue Nominado. En la actualidad y como curiosidad habría que citar que una de las Nietas del introvertido Ulises estaba interpretada por la ahora adulta Jessica Biel.

De Woody Allen

Conocerás al Hombre de Tus Sueños


por Miguel Mateo Tomás Vilar

Para Carolina & Javier porque sé que les gustó.

Fui a ver la última Película de Woody Allen el mismo día de su Estreno porque a uno no le gusta demorar las Citas con los Amigos. Siempre me ha parecido que con Allen, aparte de compartir el mismo Día de Cumpleaños, me une una auténtica Pasión por todo lo que hace, dándome igual si pertenece al Género de la Comedia o si gira hacia la Intriga, el Suspense, el Drama, la historia de Amor o incluso el Musical. De hecho, es complicado fijar un Género concreto donde poder ubicar su último trabajo y eso es algo que siempre he admirado del Director de Brooklyn, como es capaz de hacerme Reír o Emocionarme pasando de un momento al otro en tan poco tiempo.

“Conocerás al Hombre de Tus Sueños” no es una de las Grandes Películas de Woody Allen, pero ni mucho menos es una Película menor en su Filmografía. Es cierto que hay Situaciones e incluso Personajes repetidos de anteriores Producciones, pero también es cierto que todos son tratados con la habitual Cercanía, Gracia y Elegancia que otras veces.


Y es que esta vez no se le puede achacar que nada funciona en su labor de Guionista/Director. La Selección Musical es estupenda, los Actores grandísimos (con Banderas mejor que nunca y con Anthony Hopkins capaz de transmitir la Soledad en la que se ve sumido su Personaje sin aparente esfuerzo). Por descontado que hay críticas disconformes pero como recuerda mi Amigo Miguel Francisco: “que alguien me diga cinco Películas mejores al final del año, simplemente cinco”.

Terminaría quedándome con la siempre grata presencia de Naomi Watts, la templanza de Gemma Jones, la radiante Fotografía de Vilmos Zsigmond y la delicada Belleza de Freida Pinto.

Ya somos dos!!!

A mí "Origen" me parece la gilipollez y la diarrea mental más notable que he visto en los últimos años. Siendo de acción, es demasiado aburrida. Parece que dura un siglo. Mi decepción ha sido absoluta, ya que el director de "Insomnio", "El truco final", "Batman begins" y "El caballero oscuro" es cine de primera calidad. Para mí que Nolan ha abusado de alguna droga muy rara que le ha dañado seriamente el cerebro. Sólo así se puede explicar el cúmulo de estupideces pretenciosas que representa "Origen".

-Carlos Boyero-

De John Carpenter

Asalto a la Comisaría del Distrito 13


por Miguel Mateo Tomás Vilar

Para Jean Claude, porque todavía se acordaba de ella.

Con tan sólo 15 años John Carpenter fundó su propia Productora “Emerald” y con 22 ya lucía en su Habitación un Premio Óscar otorgado a su Cortometraje “La Resurrección de Bronco Billy”, allá por el año 1.970. Había pues una idea clara en su cabeza su Pasión por el Cine desde muy Niño y más concretamente por el Western, pero habían dos hándicap en su camino: el primero de ellos, que su Padre –Músico y Profesor de Música- quería que se interesase por esta Disciplina Artística y el segundo –y a la par menos importante- que el Género Western ya había pasado de moda en EE.UU.

Pero lo que es el interés por satisfacer a todos al mismo tiempo le llevó a adquirir conocimientos en Música, que a su manera plasmó en las Bandas Sonoras de la mayoría de sus Films y, por otro lado, encontró en el Cine de Terror un fiel aliado en sus referencias al Western. Para Él estaba claro y según sus propias palabras “el eterno enfrentamiento entre el Bien y el Mal provoca que vea en el Cine de Terror ciertas semejanzas al Western”.

Y fue en 1.976 y en su segunda experiencia en el Largometraje cuando decidió rodar una “a su manera” la que sería una extraña versión de “Río Bravo”. Mezclando Thriller, Intriga & Acción, ya tenía en su poder los tres elementos básicos para articular una aventura de 90 trepidantes minutos. Carpenter absorbió todas las tareas principales –Dirección, Guión, Montaje (con Pseudónimo) y Música- y así fue como este neoyorquino concibió la que sería su primera Obra Significativa, que pasaría a engrosar la referencia inicial de su nutrida Filmografía.

El empeño en el Rodaje de “Asalto a la Comisaría del Distrito 13” fue complicado. Al principio todo encajaba a la perfección, el Guión resultaba ideal para la historia que Carpenter quería rodar. Un Policía de Los Ángeles recibe como primer trabajo la vigilancia de una Comisaría inmersa en un traslado a un nuevo edificio. Pero la llegada accidental de un furgón policial que porta tres presos –uno de ellos, Napoleón Wilson, un asesino condenado a muerte- lo complicará todo. Para colmo, la llegada de un Padre a cuya Hija acaban de asesinar en plena calle lo complicara todo, ya que una peligrosa banda de pandilleros en su persecución hará de la Comisaría el lugar donde acometer su venganza, ya que el Padre había logrado acabar previamente con uno de ellos.

Hasta aquí todo resultaba violento pero asumible, menos un detalle, el terrorífico asesinato de la Niña se plasmaba en primer plano y sin contemplaciones, de tal forma que la MPAA le iba a dar a la Película la Calificación “X”. En ese momento a Carpenter no se le ocurrió mejor cosa que mentir asegurando que la escena sería eliminada del Montaje Final, no llegando a ser así. La “jugada” fue todo un éxito y el Film se estrenó con la famosa Escena de la Niña, junto al heladero y los pandilleros –el Director tiene un Cameo como uno de ellos-, incluida en su Metraje.

En la actualidad, John Carpenter cuenta con 62 años, un Currículum que presenta Clásicos del Género como: “Halloween”, “La Niebla”, “La Cosa” o “Vampiros” y unas ganas intactas de emprender nuevos Proyectos, quizás las mismas de cuando ganó su ya lejano y único Óscar.

ORIGEN

Origen


por Miguel Mateo Tomás Vilar

Para Miguel Ángel Cotes.

Aclamada por toda la Crítica de forma casi unánime, me dispuse con cierta Ilusión a ver el último trabajo de Christopher Nolan y más aún después de su anterior Film, la estupenda “El Caballero Oscuro”. Nunca fui seguidor del fenómeno “Memento”, ni de “El Truco Final” pero sí que me interesó algo más “Insomnio”. En “Origen” uno puede (disfrutar) de las continuas vueltas de tuerca a un especial mundo donde se desenvuelve una especie de Brigada captadora de Sueños (a golpe de gran presupuesto) dentro una historia que pienso que no da para tanto. La total frialdad del Cine de Nolan luce en todo lo alto y para quien quiera un <> puede llegar a disponer de cuatro de los comentados sueños, encorsetados uno dentro del otro, en una escena final absolutamente interminable.

Y si recurrentes son los Sueños de Nolan, más lo es la Banda Sonora firmada por James Newton Howard, que eso sí, se adapta como un guante a las, reconozcámoslo, atrayentes Imágenes. Aunque para Sueño Sr. Nolan mi –desconocida- compañera de butaca que comentó antes del inicio que no creía que fuera tan buena como “Toy Story 3”. Y cuanta razón tenía… pero ese es otro tema de más altura y menos pretensiones.

En cuanto a Interpretaciones, un Ken Watenabe al que se le puede llegar a extraer mucho más jugo, porque lo tiene, una eternamente llorona Marion Cotillard y un Leonardo DiCaprio imprescindible en el Cine Actual. El resto, referencias a las que agarrarse pero que en sus respectivas Películas brillaban más.

Para finalizar una Reflexión de Mi Amigo Domingo al encenderse las Luces de la Sala: “¿Y ésto no se podría haber contado de una forma más sencilla?”

Satanás (Cine Colombiano - 2)

Satanás (Cine Colombiano – 2)


por Miguel Mateo Tomás Vilar

Para Pablo, porque te aprecio.




Andi Baiz es un Director Colombiano de tan sólo 35 años de edad, siendo este su primer Largo, basado en la Novela del mismo Nombre –“Satanás”- del Escritor Mario Mendoza, que a su vez se inspiró en los trágicos hechos acontecidos en el Restaurante “El Pozzeto” en la Ciudad de Bogotá en el año 1.986.

Con este trabajo su Director Andi Baiz cosechó dos Premios en el Festival de Cine de Montercalo, en concreto, los correspondientes a Mejor Película y Mejor Actor (un Damián Alcázar –Intérprete Mexicano- que mide muy bien su papel), además de ser invitado el Film para participar en el Festival de Cine de San Sebastián.

“Satanás” no descubre nada nuevo, al contrario, cumple fielmente con el estilo narrativo, muy de moda en la última década, y que se encarga de entremezclar historias diferentes que en un determinado momento terminarán confluyendo. Los tres episodios descritos aquí son los de un Sacerdote atormentado por el pecado (sexual) y por su sentimiento de culpa al intentar hacerle frente, el de una joven que accede a la proposición de dos hombres de obtener un dinero “fácil” a base de robar a sus sucesivas víctimas y la que da forma al núcleo central del drama, la de un excombatiente de la guerra del Vietnam que tras volver de la contienda se encuentra con la más absoluta de las soledades y que terminará de forma criminal con todos aquellos que forman parte o no de su Vida, con un estilo que hace volver a la memoria a la magnífica “Taxi Driver” de Scorsese.

Olvidables serán las visitas del Sacerdote protagonista a la cárcel donde una presa sufre una especie de posesión demoníaca. Evidentes, las referencias a la Obra de R. L. Stevenson “El Extraño Caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde”. Destacables, los momentos de amargura del personaje central, muchos de ellos reflejados en constantes peleas con la que terminaría siendo la primera de sus víctimas, su propia Madre.

PVC-1 (Cine Colombiano - 1)

PVC-1 (Cine Colombiano -1)

por Miguel Mateo Tomás Vilar

Para Lucrecia, no te la pierdas


Desconocía absolutamente esta Película antes de verla y esa es la mejor forma de enfrentarse a ella. Cuanto menos se sepa, tanto mejor.

Rodada en Colombia por el Director de Origen Griego Spiros Stathoulopoulos (Padre Griego & Madre Colombiana) se paseó hace tres años por Festivales de lo más variado: Cannes (ovación del Público incluida), Bangkok, Lisboa, Sofía, Cine Independiente de Los Ángeles, Atenas o Thessaloniki.

Por encima de todo, “PVC-1” es una trabajo arriesgadísimo. La historia recoge el suceso real acaecido en Colombia en el año 2.000, donde una Mujer fue atrapada por unos extorsionadores con el propósito de colocarle –tras medirle minuciosamente el cuello- un collar rectangular lleno de explosivos. Pero es que al margen del Guión –escrito por el propio Spiros- la Cinta está rodada en una casi imposible Toma-Secuencia. Sin cortes, sin Música, llevando la Cámara a hombros el propio Director tras un duro entrenamiento físico de varios meses. El llevar a cabo semejante Proyecto debió de ser muy intenso y complejo tanto para el propio Equipo Técnico como para los mismos Actores –Magníficos todos ellos y Amateurs, menos el Matrimonio Protagonista que contaba con una continuada Carrera Teatral-. Hay que tener muy en cuenta que el Film fue rodado en tan sólo cuatro días, con escasísimos medios económicos, teniendo a todo el Equipo perfectamente sincronizado (ocho Tomas fueron necesarias) y con algún que otro problema meteorológico. La copia resultante y exhibida en Cines y Festivales se presentó en Formato Digital ya que en celuloide es técnicamente imposible.

Comenta el Director que el hecho de elegir un solo Plano-Secuencia se debió al valor que tiene el factor tiempo en el desarrollo del relato, algo de lo que no dispone la Protagonista.

El resultado obtenido es excepcional y sorprendente, mostrando el arrojo del Pueblo Colombiano para combatir la violencia. No se la pierdan, no se arrepentirán.

¡Vivan los Novios!

por Miguel Mateo Tomás Vilar

Para Mi Hermano, porque sé que le gustaría.

Primera Producción de Luis García Berlanga en Color allá por el año 1.969. Dicen que por esta época la censura ya estaba algo más suavizada pero de igual manera había que saltársela y nada mejor para ello que Don Luis.

En “¡Vivan los Novios!” nuevamente nos encontramos con una sátira en contra de la España profunda, las celebraciones de Matrimonios y Entierros, el boom del Turismo,… Un enfrentamiento directo entre la España franquista, trasnochada y la Europa moderna. Una sociedad española con ritos absolutamente ridículos frente a un turismo que empezaba a implantar nuevas modas y costumbres.

Sin alcanzar a los Clásicos “Bienvenido Mr. Marshall”, “Plácido” o “El Verdugo”, pero tampoco tan desdeñable como opina mucha crítica actual. Rodada en Sitges y exhibida en el Festival de Cannes el mismo año de su Estreno, con una escasa duración de apenas 79 minutos debido a su bajo presupuesto, a pesar de la petición –desestimada- del propio Berlanga, de alargar el rodaje unos días más.

Impagables resultan, un Gran López-Vázquez, una siempre Divertida Laly Soldevila y un Manuel Alexandre que nuevamente lo borda. Con Guión de –como no- Rafael Azcona y el propio Berlanga.

En la memoria queda la secuencia final en toma aérea de la comitiva de un entierro convertido en una especie de insecto – ¿cucaracha?-, el Beso caprichoso de dos extranjeras, el mujeriego jefe del Protagonista,… y una serie de Personajes a cual más pintoresco y que en mis primeros visionados de Niño me parecían mucho más extraños que en la realidad son.

Evasión en Atenea

Evasión en Atenea

por Miguel Mateo Tomás Vilar

Para Miguel Francisco, “Gracias por ir aquella tarde”

La fórmula parecía sencilla, pero sin una historia que contar, por sencilla que fuese, es imposible que se consiguiera algo cuanto menos digno.

Más o menos “imagino” que fue así. Año 1.979. De repente, un aburrido domingo por la tarde, al Hijo de David Niven –Productor- se le ocurre pensar que todavía había mercado para otra Película sobre campos de prisioneros durante la II Guerra Mundial. Muestra de ello sería el buen resultado de Films como: “La Gran Evasión”, “Los Violentos de Kelly” o “Los Cañones de Navarone”. Además, si a la clásica temática, añadimos una pizca de Arqueología, un Monasterio con varios Monjes Ortodoxos, un supuesto tesoro y un bonito lugar para filmar –la Isla Griega de Rodas- (iluminada para la ocasión por Gilbert Taylor), pues ya lo tenemos casi todo.

¿Qué podría faltar a la receta para que fuera infalible? Unos cuantos Nazis, una Banda Sonora –con aromas autóctonos- del Argentino Lalo Schifrin, un Director solvente (el Greco-Italiano George Pan Cosmatos), el Mar Egeo y un Reparto de los que nadie se pueda resistir: Papá David Niven (cuatros años antes de su desaparición), un insoportablemente “gracioso” Elliot Gould, el exitoso Protagonista de “Shaft” Richard Roundtree, los televisivos Telly Savalas & Stefanie Powers, Sonny Bono, el James Bond de por aquel entonces Roger Moore, una Claudia Cardinale aún de muy buen ver y un William Holden que pasaba por allí o que quizás estuviera pasando unas Vacaciones en ese marco tan asombroso.

En la época actual, muy pocos recuerdan la Película y es que hay muy poquillo destacable, ya que junto con escenas que provocan cierto rubor, merecerían cierta atención una persecución en moto y sidecar –muy bien resuelta y planificada- por las callejuelas de la Isla y dos o tres largos planos aéreos en el inicio del Largometraje que aventuraban un buen hacer y elegancia que desaparecerían instantes después. Eso sí, para cualquier interesado en hacer turismo por la Isla de Rodas, hay un Autobús que dedica una excursión a día completo por los lugares por donde deambularon: Gregory Peck, Anthony Quinn, Claudia Cardinale, David Niven, Jacqueline Bisset y muchos más. Y es que acertaron, “Los Cañones de Navarone” también fue rodada allí. Para reservas: info@eurotravel.gr

De Mike Newell

El Despertar

por Miguel Mateo Tomás Vilar

Para Jiménez, por nuestra Niñez

Mike Newell es un Director curioso, capaz de lograr lo mejor y peor. Desde Películas magníficas (“Donnie Brasco”) a bodrios infumables (“El Amor en los tiempos del cólera”). Destacables también en su Filmografía podríamos citar: “Bailar con un Extraño”, “Un Abril Encantado”, “Cuatro Bodas y un Funeral”, “Fuera de Control”, “La Sonrisa de Mona Lisa” y los últimos Harry Potter.


Graduado en Cambridge y con casi 70 años en la actualidad, Newell comenzó a dirigir a los 23 años, trabajando en numerosos programas de televisión y debutando en la Dirección de Largometrajes en el año 1.980 -con 38 años ya cumplidos- en esta nueva versión de la Obra de Bram Stoker “La Joya de las Siete Estrellas”, que fue publicada en 1.903. La historia no tiene mucho de novedoso y sí de cierto disparate. Un Arqueólogo descubre en Egipto un Sarcófago que resulta ser de la Faraona Kara. Al bueno del también Profesor no se le ocurre nada mejor que abrirla en el preciso instante en que nace su Hija, de cuyo cuerpo se valdrá la citada Faraona para tomarlo en Vida, una vez que cumpla 18 años y tras una Ceremonia que terminará oficiando el propio Padre de la Joven.

Este “prometedor” argumento fue destrozado por los tres guionistas contratados para plasmar su texto en Cine, con la inestimable colaboración de un Montador, que lo mismo ralentiza el metraje, que le da por acelerarlo, liquidando de paso a varios de los Actores Secundarios de la forma más absurda o torpe posible. Tampoco hay que restar mérito en estas labores a la Dirección del propio Newell y a un más sobreactuado que de costumbre Charlton Heston. El Reparto se completaría con la veterana Susannah York y la televisiva Stephanie Zimbalist.

En definitiva, una mala muestra de Cine de Terror, que bebía de fuentes recientes del final de “Los-70” sobre maldiciones y similares, nómbrese “La Profecía”, pero siendo tremendamente inferior a aquella. Como curiosidad se podrían citar el peluquín y barba postiza que luce Heston (básicamente su único cambio físico al avanzar dieciocho años el inicio del Film –ver fotos-), el exceso de Música empleada y compuesta por el desconocido Claude Bolling (salvando el Tema compuesto para la visita de Padre e Hija a El Cairo), lo limpio que se encuentran los Investigadores el descubrimiento del salón donde habita el Sarcófago y sus pasillos colindantes y, ya en el único aspecto positivo, la buena labor en la Fotografía de un clásico de la época, Jack Cardiff.

Para cualquier interesado en la Vida y Obra de Mike Newell recordar que su Nombre actualmente aparece en Cartelera con la taquillera “Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo”.