Pájaros de Papel

Una Crítica de Miguel Ángel Tomás & Santiago

"Pájaros de Papel" aunque una buena Película me ha parecido excesivamente lacrimógena. Me ha sorprendido que el Director Emilio Aragón pese a ser novato haya hecho tan buena Película. La veo demasiado realista. Yo le habría añadido algo de Ficción. Es una Historia multigénero que me ha hecho reír y llorar. La parte posterior a la Cena en la que invita el Alcalde es la que más aburrida me ha parecido, pero el resto me ha gustado. Me he reído con las Canciones que cantan en el Escenario y he llorado más con el bonito final que con el drama de la estación.

Retrospectiva

El Tren de Bertha

por Miguel Mateo Tomás Vilar

Para Esther, por su aprecio al Cine de Scorsese

En el año 1.972, el Director & Productor Roger Corman decide llevar al Cine la historia real de una ladrona de trenes en la época de los años 30 en EE.UU., coincidente con la conocida como “Gran Depresión”. Su nombre, 'Boxcar' Bertha Thompson. Para ello busca Director y se fija en un joven Martin Scorsese que únicamente había filmado, cinco años antes, la Película que supuso su debut en el largometraje: “Who's that knocking at my door?”. Los mimbres que recibe Scorsese para llevar a cabo el proyecto son bastante reducidos: un presupuesto de 600.000 Dólares, menos de un mes para su rodaje y una experiencia principalmente supeditada a un Documental y varios Cortometrajes. Finalmente, el rodaje sale adelante y la Película lanza de una forma definitiva al Director Italo-Americano. Como prueba de ello, un año después dirigía “Alicia ya no vive aquí” y dos más tarde una de sus grandes Obras, “Taxi Driver”.

En el momento de su estreno la Crítica la compara de forma casi unánime -dada su idéntica temática con pareja de ladrones huidos de la Justicia incluidos- con otra producción anterior del propio Roger Corman y que obtuvo un gran éxito de crítica y público, "Bonnie & Clyde".

Visto varias décadas después de su estreno el film resulta muy curioso. Para los Protagonistas centrales de la trama se recurre a una preciosa y sensual Barbara Hershey (posterior María Magdalena en “La Última Tentación de Cristo”) y para interpretar al sindicalista de la compañía ferroviaria del que se enamora, a David Carradine. Durante los ajustados noventa minutos de su metraje, Scorsese nos va relatando a modo de anécdotas, las aventuras y desventuras de la peculiar banda, que logran formar estos fuera de la Ley, por el Sur de EE.UU.

En resumen, “El Tren de Bertha” podría no tener mayor interés, pero es en la tremenda explotación de violencia de su parte final donde más fácilmente reconocible se hace el estilo Scorsese. En ese momento, el transfondo del paro, la prostitución y las luchas sindicales dan paso a una venganza por parte de los matones del dueño de la fábrica de ferrocarril, tremendamente sádica, hasta llegar al punto de crucificar vivo en uno de sus vagones (clásica referencia religiosa de su Filmografía) al pobre 'Big' Bill Shelly, tras recibir él y su novia una furiosa paliza. Es a partir de ahí y cuando el tren comienza su recorrido, cuando Scorsese obtiene la toma más bella y sobrecogedora de todo su conjunto. Subiendo la cámara al vagón donde está ajusticiado el Protagonista podemos observar durante unos largos minutos a la joven 'Boxcar' Bertha Thompson corriendo desesperada hacia el cuerpo de quien hasta ese momento se había convertido en el centro de su vida. Un final lleno de ira, pero a su vez, de belleza.

Pájaros de Papel

por Miguel Mateo Tomás Vilar

Después de ver el debut de Emilio Aragón en el Largometraje con “Pájaros de Papel” habría dos formas de recomendar el enfrentarse a su visionado. Por un lado, se podría argumentar que estamos ante un producto con clara vocación sentimental, provocador de la lágrima fácil, con un Guión más que previsible, sin profundizar en el Personaje interpretado por Lluis Homar, con unos Imanol Arias y Carmen Machi figurantes en el reparto para atraer al público fiel que fue/es seguidor de sus respectivas series televisivas y con un final alargado hasta el límite de la paciencia.

Pero, desde un segundo punto de vista, se podría aseverar que “Pájaros de Papel” es el sentido Homenaje de un inexperto Director de Cine hacia el eterno mundo de los Actores y más concretamente, hacia su propia Familia. Siendo la Película un estupendo itinerario de Teatro en Teatro y de Pueblo en Pueblo, donde lo más aconsejable es no ser exigente y dejarse llevar por el buen ritmo que Aragón va imprimiendo a su Obra, por la estupenda –mucho mejor de lo habitual- ambientación que va decorando los sucesos que acontecen a los Protagonistas y ante todo, por la extraordinaria Banda Sonora compuesta por el propio Emilio Aragón, que luce al nivel similar o superior al otros grandes Compositores españoles que está dando el Cine Español durante la última década.

Cada uno es libre de quedarse con la opinión que guste, yo, por mi parte, prefiero abrazar la segunda.

Antes de finalizar, destacar el magnífico nivel interpretativo que una vez más imprime a su Personaje Imanol Arias, Actor que siempre supuso y supondrá un lujo para cualquier Realizador.

El Libro de Eli

por Miguel Mateo Tomás Vilar


En la senda de los títulos Apocalípticos y Post-Apocalípticos que nos están llegando a la gran pantalla (“Wall-E”, “2.012”, “La Carretera”,…) habría que ubicar este esperado trabajo de los Hermanos Hughes. De todos ellos, aunque sólo sea por el estilo visual usado –la Fotografía “nuevamente” en tonos grisáceos del ya consumado especialista Don Burgess- con quien mayor parentesco se podría intuir sería con “La Carretera”. Pero en este caso, los hermanos gemelos –Albert & Allen- no buscan contarnos una historia de amor entre Padre e Hijo, sino más bien el recorrido de un ser solitario y misterioso (Eli) en su única misión, proteger un libro, del que conforme va avanzando el Guión firmado por Gary Whitta, iremos conociendo más detalles.

En “El Libro de Eli” nuevamente nos encontramos con una conjunción de géneros (drama, acción y aventura) pero de los que emerge con cabeza visible un claro homenaje a los “Spaghetti Western” que popularizara Sergio Leone. Héroe anónimo, pueblo perdido dirigido por el villano de turno (un felizmente recuperado Gary Oldman) y una curiosa referencia a Morricone (en dos medidos momentos se puede escuchar a uno de los protagonistas silbar lentamente uno de los Temas de la BSO que el genial Maestro italiano compusiera para “Érase una vez en América”).

“El Libro de Eli” es una historia que tiene su mejor baza en que está muy bien contada dosificando sus misterios de una forma atrayente. La pareja Denzel Washington & Gary Oldman son una apuesta segura para describir los razonamientos contradictorios que llevan a uno y a otro a conseguir el ansiado libro. Error de Casting puede considerarse el incluir en el papel de Selora a una demasiado bella e increíblemente cuidada Mila Kurnis (recordemos que en el Film han pasado treinta años desde el citado Apocalipsis y todo el mundo está sumido en la más absoluta de las miserias). En cambio, ayuda y mucho, el encontrar durante las dos horas de Largometraje a personajes secundarios interpretados por actores tan variopintos como son el cantante Tom Waits, Malcolm McDowell, Jennifer Beals y el desquiciado matrimonio de la América más profunda, en los papeles de Frances de la Tour y Michael Gambon.

Varios momentos brillantes y un sorprendente final –a no desvelar- concluye esta propuesta a tener muy en cuenta.

En Memoria

En los Años 50 “El Zurdo” Paul llega a Hollywood en un “Éxodo” que nunca estuvo “Marcado por el Odio” pero con la esperanza de un “Buscavidas” y con la mente puesta en “Cuando se tienen veinte años”, durante esa época en la que uno se siente un “Dulce Pájaro de la Juventud”. Al poco tiempo, tras una “Cortina Rasgada” y sin necesidad de hacer de “Harper: Investigador Privado”, conoce a la que sería su única Esposa, la Actriz Joan Woodward. Más tarde, Newman es un hombre que recorre “500 Millas” para buscar dar “El Golpe” en el mundo del Cine. Como si se tratara de un “Coloso en Llamas”, nuestro “Hombre de Mackintosh” alguna vez se encontró “Con el Agua al Cuello” tras algún que otro “Castañazo”. Y es a partir de aquí, cuando comienza la leyenda de “Un Hombre” que con “Ausencia de Malicia” recoge el “Veredicto Final” de un público volcado con este “Creador de Sombras”. No hace falta añadir que tras su “Gran Salto” y sin “Ni un Pelo de Tonto”, a la hora en que uno siente “Caer el Sol”, decidió mandar un “Mensaje en una Botella” a la Vida, para que le respetara en sus últimos años, sin llevarle a ningún “Camino a la Perdición”. Ahora, todavía podemos quedarnos, con la buena voluntad de alguien que no conoció “El Color del Dinero”. Un “Salvaje entre Mil”, una “Leyenda del indomable”, que nos ha dejado como una “Gata sobre el tejado de Zinc” en su propio “Zoo de Cristal”, sin un mal “Escándalo Blaze” que poder reprocharle, pero con un anuncio claro: “¡Un Día Volveré!” a pasear en bicicleta, al son de “Dos Hombres y un Destino”.

Te echamos de menos;
Miguel M. Tomás Vilar

Green Zone

por Miguel Mateo Tomás Vilar


El Cine de Paul Greengrass gustará más o menos, defraudará o no, pero lo que no se le puede negar es el ritmo, cada vez más frenético, que imprime a sus historias. Secuencias impactantes, sonidos y efectos sonoros potentísimos, cámara en mano, montaje arrollador,… Difícil es poder aburrirse con alguno de sus trabajos y tampoco se corre este peligro al ver “Green Zone”.

Además, el Director Inglés en cierta manera se la juega, en el caso de que procure buscar el apoyo o complicidad de cierto público USA. Desconozco la Novela de la que ha partido el Guión –“Imperial Life in the Emerald City: Inside Iraq´s Green Zone” de Rajiv Chandrasekaran- pero el riesgo asumido por Greengrass no es pequeño al tratar un tema tan conflictivo como el de las falsas localizaciones de armas de destrucción masiva en Irak. El problema, es que el discurso político del Realizador es demasiado directo y como “sencillo” de descubrir por parte de los participantes en la trama (un alférez del ejército de EE.UU., un miembro de la CIA –un muy desaprovechado Brendan Gleeson- y un ciudadano del país árabe). ¿Y qué nos queda tras eliminar un texto escasamente sorpresivo? Pues un Film de acción trepidante, muy bien rodado, con unas localizaciones espectaculares (muchas de ellas pertenecientes a nuestros San Javier y Fuente Álamo), un Matt Damon que recuerda demasiado a su registro conseguido para encarnar a Borne y la sensación de que Irak se encuentra en una situación mucho peor que la vivida tras la ocupación llevada a cabo en 2.003.

Como curiosidad, el hecho de que el mismo Director de Fotografía de la premiada “En Tierra Hostil” – Barry Ackroyd- repita en muy poco tiempo con otro trabajo ambientado en el País del Golfo Pérsico, no dándosele nada mal y consiguiendo unir en las mismas secuencias texturas limpias, granuladas y digitales. En cuanto a la Música de John Powell, simplemente se deja llevar por lo ya logrado en la “Trilogía Bourne”, algo que tampoco fue, ni es, sencillo.

CINE HISTÓRICO -Quo Vadis-

QUO VADIS
Miguel M. Tomás Vilar

En los años 50 aparece en la historia del cine un nuevo género, el de películas sobre romanos. Esta categoría cinematográfica se bifurca en dos vertientes correspondientes a dos áreas geográficas concretas. Mientras en Italia pasa a denominarse “Peplum” –túnica sujeta por el hombro- y hace referencia a películas de bajo presupuesto donde lo importante es la aventura sin ninguna preocupación por las raíces históricas, en Hollywood se apuesta por filmes de grandes presupuestos donde se procura incrementar el espectáculo.

El referente del inicio del Peplum podría ser “Hércules” (1.958), película interpretada por un clásico de la época, el Mister Universo Steve Reeves y que deja claras lo que serían unas constantes en el género: forzudo héroe, villano opresor y la lucha por la libertad. Otros ejemplos posteriores serían: “Aníbal” (1.959) y “Barrabás” (1.961). En cambio, el género en EE.UU., que ya había dado muestras a principios de siglo como podrían ser “Quo Vadis” (1.913) o “Cabiria” (1.914), redundaba en grandes y espectaculares temas: reinado de Julio César, vida de Cleopatra, el final del Imperio,… Y mientras en Italia se repetía en sus filmes el empleo de vestuarios, escenarios y extras, en Hollywood no se reparaba en gastos.


“Quo Vadis” tuvo dos versiones anteriores al trabajo de Mevyn LeRoy correspondientes a los años 1.913 y 1.924. Es en el año 1.951 cuando LeRoy estrena la que sería una película referente en el cine de romanos. Previa a “Julio César” (1.953), “Los Diez Mandamientos” (1.956), “Ben-Hur” (1.959), “Espartaco” (1.960), “Rey de Reyes” (1.961), “Cleopatra” (1.963) y “La caída del Imperio Romano” (1.964), es un fiel exponente del género.
Llegaba LeRoy de la realización de uno de sus mayores éxitos “Mujercitas” (1.949) cuando se imbuyó de pleno en la adaptación de la novela de Henryk Sienkiewicz. La historia presenta de forma global el ascenso del movimiento cristiano frente a una sociedad romana que aparece embrutecida y repleta de idólatras. En este ámbito nos encontramos con el personaje de Marco Vinicio que regresa victorioso con sus legiones. Tras su entrada triunfal, ordenada por Nerón, conoce a la hija adoptiva del General Plaucio –Ligia- de la que se enamora, sin saber que se trata de una cristiana. A partir de ahí, Marco Vinicio se siente atraído por la joven y convence a Nerón para que la ponga en sus manos en pago a los servicios prestados. Ligia en un principio le rechaza y huye unida a los cristianos hasta que finalmente termina reconociendo su mutua atracción con Marco Vinicio.

El filme fue un éxito y propició la inversión en nuevos proyectos de corte religioso-histórico-romano. Para la ocasión se contó con un importante reparto encabezado por Robert Taylor, la pelirroja Deborah Kerr –recién contratada por MGM- y el polivalente Peter Ustinov (intérprete, director y guionista). No menos interesante fue el equipo técnico conjuntado, destacando los directores de fotografía Robert Surtees (que también se encargaría de “Ben-Hur”) y William V. Skall, y la estupenda banda sonora del maestro húngaro Miklós Rózsa (“Julio César”, “Ben-Hur”, “El Cid”, “Rey de Reyes”). La película obtuvo 8 Nominaciones a los Óscar correspondientes: Mejor Película, dos al Mejor Actor de Reparto, Mejor Dirección Artística/Decorados, Mejor Fotografía, Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Montaje y Mejor Banda Sonora.

Aún a día de hoy, existen ciertas críticas sobre el “rigor” histórico del trabajo de LeRoy pero habría que tener en cuenta que se trata de una novela llevada al cine. Las investigaciones apuntan a que Nerón no participó en el incendio, y más aún, que en esas fechas se encontraba fuera de Roma. Sin embargo, hay detalles durante el metraje que revelan un intento de dar verismo al espacio temporal donde se desarrolla la trama: el cuidado vestuario de los extras, la partida que juegan al latrunculi Marco Vinicius y Petronio, el inolvidable combate entre el gigante cristiano Urdus y el toro, los delirios de Nerón por su nefastas poesías,…

Para terminar, citar algunas grandes frases que son fiel reflejo de la buena materia prima de la que partían las imágenes:

“No basta con saber vivir, hay que saber morir”.

“Nerón, nacer bajo tu reinado es una equivocación, pero morir en él es una alegría”.

“Quemar una ciudad para crear una epopeya… es llevar demasiado lejos el arte por arte”.

“No soy cristiano; según dicen, los cristianos proclaman el amor al prójimo y viendo cómo son los hombre me resulta imposible amar a mis semejantes”.

“Has vivido como un monstruo, muere como un emperador”.

A la memoria de Don Guillermo Beltrán, Príncipe de Mastia.

El Turista Accidental

Un pequeño viajecillo en el tiempo; los Títuls de Crédito Iniciales de "El Turista Accidental" http://www.youtube.com/watch?v=sTdhK95v-Mo

La imprescindible Música es de John Williams.

Gracias Maestro (una vez más)

The Lovely Bones

The Lovely Bones

por Miguel Mateo Tomás Vilar

Un regreso muy esperado, el de Peter Jackson en la Dirección, tras producir la magnífica “Distrito 9”. Por fin quedó atrás la trilogía del dichoso anillo y tenemos de vuelta a un Jackson que sigue moviéndose como pez en el agua por uno de sus terrenos favoritos, el de la Fantasía.

Proyecto acariciado en su día, el de adaptar al Cine la Novela de Alice Sebold, por un Steven Spielberg que anda demasiado dubitativo en los últimos años y que ha sido a la vez, uno de los Productores Ejecutivos de la cinta.

Verdaderamente, pienso que lo logrado por Jackson es bastante digno, pero cuenta con un problema fundamental, la parte descriptiva de ese medio cielo por donde deambula Saoirse Ronan, no tiene el mismo interés que la parte centrada en el psicópata asesino interpretado por Stanley Tucci, en total estado de gracia. También se hecha de menos, una mayor profundización en el relato del conflicto dentro del resto de miembros de la familia, incluyendo a una Susan Sarandon que tenía un papel muy prometedor pero que desaparece al tiempo que avanza la trama.

Dedico esta crítica a Mis Tres Primas

Al Límite

Al Límite

por Miguel Mateo Tomás Vilar


Regreso a la Interpretación del australiano Mel Gibson y a la Dirección, del neozelandés -aunque educado en Inglaterra- Martin Campbell. El Thriller “Al Límite” ha sido el proyecto encargado de unir a ambos y verdaderamente no hay mucho más que añadir. A cambio, imagino que Gibson, ha conseguido un dinero extra que le vendrá muy bien a la hora de Dirigir su próximo (y esperado) Film y Campbell, el estar nuevamente en boca de los aficionados al Género de Acción, que lo tenían un tanto olvidado y que tan buenísimos resultados cosechó, en Películas muy bien Realizadas, como pueden ser los casos de: “Goldeneye”, “Límite Vertical” y el penúltimo Bond; “Casino Royale”.

El resto, que es todo, nada nuevo: un guión trilladísimo –curiosamente basado en una Serie Televisiva-, unas Interpretaciones correctas, un Montaje a cargo de un representativo nombre en la industria -Stuart Baird-, un nuevo Soundtrack de Howard Shore y una elegante Fotografía de Phil Meheux.

Todo correcto pero sin apenas saber explotar la tensión que viven los Personajes, ni mucho menos, crear interés en el seguimiento de la trama. Un vehículo fundamente destinado los/las fans de Gibson.

El Secreto de Sus Ojos -con respuesta de Juan José Campanella-

EL SECRETO DE SUS OJOS

Por Miguel Mateo Tomás Vilar

No sé como lo ha hecho pero lo ha vuelto conseguir. A eso le llaman Talento y siempre pienso que se nace con Él. Así de simple: se tiene o no se tiene. Nuevamente Juan José lo derrama en su última Película. Y esta vez no se trataba de un toro fácil de lidiar, pero aún así, el Público de la Sala sale encantado de sin igual faena. Nuevamente Juan José se rodea de alguacilillos de primer orden: Soledad, Ricardo, Guillermo, Pablo y Javier. Y es que con semejante cuadrilla resulta casi imposible naufragar. Lejana ya su alternativa en el Mundo del Cine, Juan José consigue la Licenciatura máxima en su carrera. Todo queda perfectamente ubicado, desde el Paseíllo inicial, donde Juan José muestra lo que en un principio puede ser la vivencia de antiguos recuerdos, esa infinita nostalgia. Un olvido fijado en un intento frustrado de mirar hacia delante, hacia la puerta de los toriles, abandonando atrás el pasado. Y desde ese punto, uno respira hondo, profundamente, dejándose llevar en la plaza, entre la Comedia, la historia de Amor y el Thriller con mayúsculas. Los otras veces temidos flashbacks aquí resultan del todo indispensables a modo de tres pares de suerte de banderillas ejecutados a la perfección. Y entonces uno vuela en el tiempo de la mano de Juan José y recuerda el añorado toreo con capote sin necesidad de pasar por el terrible trauma de los picadores. Miras hacia los lados y empiezas a notar que el graderío de la plaza se empieza a entregar. Mientras, Juan José sigue a lo suyo en su diálogo y lucha con un animal que empieza a someterse. En la arena del ruedo comienzan a sucederse, entre embestida y embestida, una vil violación consumada, una trama policial perfectamente dosificada, sentimientos a flor de piel, trenes de una Vida que uno siempre quiso recuperar, tramas de corrupción que salpican el ruedo en un tuya y mía indescriptibles, un amor contenido, un interrogatorio a espada escondida y a contra pie del acusado, incluso chistes con comentarios geniales y una confesión en busca de perdón, pero nunca de olvido. Y es en ese preciso instante en donde se producen los tres toques de clarín para el último cambio de tercio, prepara Juan José su suerte suprema, la de alguien que sabe que no puede fallarnos y cumple su promesa: estocada honda y recibiendo. Silencio total entre los Espectadores. Atrás quedan recuerdos agolpados, recuerdos de soledad, injusticia, despedidas y reencuentros, melancolía, investigaciones, una letra “A” rellenada de historias de Amistad, borracheras necesarias, un ascensor que puede conducir al cadalso, la emoción de un repugnante crimen por fin resuelto, el sentimiento de una dictadura militar Felizmente lejana,… ¿el resto? Mozos y mulas de arrastre que no se atreven ni a pisar el ruedo, a riego de que se pierda la Magia de unos “ojos que hablan”, de un estadio repleto de pañuelos blancos, Justicia, Belleza, Obsesiones, Miradas, intuiciones, sextos Sentidos, odios pasados, venganzas presentes, castigos futuros, diálogos ácidos pero con mordiente, cafés perdidos, ausencias remarcadas en fotos que no se sostienen junto al tocadiscos,… La Presidencia no lo duda ni por un instante, además, el aforo a reventar se lo solicita. Los trofeos son máximos: dos orejas y rabo, una salida a hombros apoteósica, un graderío pegado a sus butacas, y ecos, ecos de voces que no quieres que te abandonen: las de Irene, Benjamín, Sandoval, Morales e incluso Isidoro, quedando todo reducido a una frase redonda y cierta: “uno puede cambiar de aspecto, de vida, de religión, hasta de Dios, pero no puede cambiar de pasión”. La mía es su Cine.

¡A la mierda! Muchísimas gracias!!!

Lo único que puedo agregar es ¡y olé!

Un abrazo enorme

Juan Campanella

Shutter Island

Shutter Island

por Miguel Mateo Tomás Vilar

Hay Directores que forman parte de la Historia del Cine por desarrollar en su filmografía un lenguaje o estilo propio y otros, por haber conseguido colocar alguna de sus producciones entre las más destacadas por sus seguidores dentro de un estudio generalizado del Séptimo Arte. Scorsese pertenece a ambos grupos.

Con un Cine plenamente identificable el director Neoyorquino ha ido acumulando en su currículum obras que procedían de sus propias inquietudes como realizador: “Malas Calles”, “Taxi Driver”, “Toro Salvaje”, “La Última tentación de Cristo”, “Uno de los Nuestros”, trabajos todo ellos -gustos personales aparte-, reconocibles como auténticos Clásicos; con otros más adaptables y pensados para un público más general y por ello mismo, muy dentro de los cánones que rigieron, rigen y regirán en Hollywood como bien podrían ser: “El Cabo del Miedo”, “El Aviador”, “Infiltrados”.

En “Shutter Island” Scorsese filma como debiéndose a la gran industria, pero con muchos más momentos que otras veces, donde se libra de ataduras y entra en su mundo propio, algo a lo que no nos tenía últimamente acostumbrados. Lo que aparenta ser una intriga al más puro estilo del Cine Negro Clásico queda convertido en un pequeño -pero a la vez detallista- estudio sobre la locura y sus consecuencias. Con un uso muy especial de la Música, un Robert Richardson filmando nuevamente lo imposible y unos Decorados del clásico Dante Ferreti indiscutiblemente bellos, Scorsese nos hace pasar más tiempo dentro de la confusión y el delirio (curiosamente, los momentos más creíbles) que en el mundo real. Y de esta forma, termina filmando un Film imperfecto pero repleto de momentos que no alcanza cualquier otro director igual de acomodado que él.

Sería injusto terminar olvidando las grandes interpretaciones de cada uno de los Actores/Actrices, tanto principales como secundarios, que acaban entregándose a la Película para hacer un camino más cómodo a Scorsese en su filmación: DiCaprio, Ruffalo (a reivindicar), Kingsley, Max Von Sydow, Clarkson,…, que terminan dando la sensación de que el director criado en la “Little Italy” ha tenido más rienda suelta que otras veces para esparcir sus miedos, remordimientos y dudas, que todos sus admiradores sabemos que son muchos.